Música y significado

La compuso en 1895-96, y es un despliegue colosal: "Sonidos de la naturaleza, algo misterioso, la vida va abriéndose camino gradualmente, desde lo inorgánico". Emplearemos dos programas en darla toda, con sus seis movimientos. Hoy damos dos: 1) "El despertar del dios Pan"; 2) "Lo que me cuentan las flores del campo". En el primer movimiento tenemos el tema "de la ruda naturaleza", ocho trompas desgarrando el silencio, hasta que entra el "temita" del soplo de vida. Y después una marcha trágica como canción del silencio, de lo ausente... Hasta que entra "una banda de regimiento para transmitir el efecto brutal de la llegada de Pan... ¡Un inmenso gentío circulando en masa!". Es una gigantesca pintura naif de la llegada de la Gran Vida, con sonidos del bosque, elefantes, guacamayos, felinos desfigurados, criaturas descomunales... y marchas de la plaza mayor. ¡¡Pasen y escuchen!! El segundo movimiento es un minueto, con un tema "tan despreocupado como suelen ser las flores", enfrentado al tema segundo impulsivo. Y continuará... Felices rudezas, felices flores del campo, queridas y queridos, y felices elevaciones. Escuchar audio

En 1888, con 55 años, Brahms soñó (de nuevo) con "pasear juntos tú y yo por los bosques" (o sea con Clara Schumann) y esa poética del paseo amoroso/amistoso entró en una de sus más bellas sonatas. Por otra parte, se la dedicó a su amigo Joseph Joachim para reconciliarse con él porque Brahms se había puesto de parte de Amalie (la ex de Joachim) durante su dolorosa separación, y la cosa había quedado medio desavenida. ¡Pero con este sonatón nadie puede mantener un enojo con Brahms!, porque aquí hay lamento, destino, canción amorosa, melancolía, visión onírica... Quién lo diría, tratándose de Brahms, ¿el adalid de la "música pura"? (bueno, al menos según Hanslick, de cuya militancia ultra Brahms se reía mucho, pero mejor que os leáis "Brahms el programático" de Dillon Parmer). Y, sobre todo ello, en la música de Brahms siempre hay grandeza, que todavía nos conmociona al cabo de las décadas... La amistad de Brahms-Joachim se remonta a sus 19 años, cuando Brahms era pareja (musical) del zíngaro Remenyi, y en medio de una gira se fueron a visitar a Liszt en Weimar, y las malas lenguas dicen que Brahms se durmió cuando Liszt tocó su Sonata, y Liszt los despachó, y Remenyi dejó tirado a Brahms, y entonces fue a Joachim y éste le recomendó presentarse a los Schumann, etc. Todo eso lo contamos y lo ilustramos, junto con la bella obra contemporánea de hoy: "Despedida", de la compositora ucraniana Oksana Galat. Felices amores y felices subsuelos del alma, queridas y queridos,,, Escuchar audio

Mendelssohn siempre parece que anuncia acontecimientos súper-vitalistas y siempre trae buenas vibras. Escribió esta "sinfonía-cantata" Lobgesang ("Canto de Alabanza") en 1840, para celebrar el 400 aniversario de la invención de la imprenta (o sea, los tipos móviles) por Johannes Gutenberg. Es "sinfonía-cantata" porque tiene 3 movimientos de sinfonía propiamente dicha, más 9 pequeños movimientos con coros y cantantes. Aquí está el mejor Mendelssohn con el tema "del júbilo poderoso", el tema de "alas de la libertad", y el "coral confidencial", más una especie de canción sin palabras, estilo gondolera, que mete en su segundo movimiento, más una especie de plegaria en el tercer movimiento. A partir de ahí, se desenvuelve una grandiosa cantata de gratitud basada en textos de la Biblia alemana, como "Todo lo que tiene vida alabe a Dios", pero también "Los dolores de la muerte nos rodeaban"... Mendelssohn evoca sabores tenebrosos, quizá conjurando el pasado de su familia desde Moses Mendelssohn, el gran filósofo de la conciliación, hijo de un maestro pobre, y siempre reprobado por su origen judío... y el propio Félix también insultado desde niño por su origen. Sin embargo usa las tinieblas emocionales para provocar un gran final: "La noche ha pasado [...] tomemos la armadura de la luz". Quizá esa frase define a nuestro querido Félix Mendelssohn: su música como "armadura de luz". Ojalá pronto cobre sentido este concepto entre nuestros queridos amigos y amigas de Valencia: acabamos con el final del poema sinfónico del gran compositor valenciano Óscar Navarro, El Arca de Noé, la escena cuando los diluvios tenebrosos ceden, se ilumina el horizonte y regresa la paloma con la legendaria rama de olivo. Después de tantas pérdidas de seres queridos y de propiedades y de medios de vida, ojalá esta música sea un vaticinio para tantas familias hermanas en el Mediterráneo español. Os lo deseamos de todo corazón desde Música y Significado. Un abrazo muy grande,,, Escuchar audio

Queridas amigas, queridos amigos: este programa fue grabado y entregado varias semanas antes de la tragedia de la DANA en Valencia y otras zonas de la España mediterránea. Por esa razón no hemos podido expresar en antena nuestro dolor, nuestro amor por estas gentes admirables, y nuestro deseo de buen ánimo y de fuerza a las personas que habitan esa tierra maravillosa, a la heroica guardia civil, al ejército siempre abnegado, a la UME con toda su eficacia y experiencia, y a todas esas personas extraordinarias que están trabajando con sus manos y sus herramientas, y haciendo llegar alimentos, medicamentos y enseres de ayuda. Ojalá que la música de Bruckner, con todas sus visiones de esperanza casi sobrehumana, y con los amaneceres que él hace desplegar sobre las tormentas colosales, encuentre aunque sea una porción de sentido en nuestros corazones, y nos infunda poderes insospechados. Será esta música, y finalmente la de la joven compositora Belén Vives, "In the beginning", como un "nuevo comienzo" la que nos acompañe hoy. Os envío un abrazo muy grande. Escuchar audio

Estamos despidiendo (casi) el "Año Bruckner": hoy revisamos su Séptima Sinfonía, la más famosa en su tiempo y quizá actualmente (que compite incluso con Schoenberg en su 150 aniversario), y que daremos completa en dos súper-programas, Su inicio le fue revelado en un sueño, según él mismo contó, tal vez desde los reinos infinitos... Y el tema inicial parece que expande su fascinación por todo el primer movimiento, junto con otro tema de Gesangperiode ("período de canciones"). Bruckner transfigura sus temas como si fuesen entidades supra-terrenales, los invierte (técnicamente y psicológicamente), y crea las famosas "entidades-sombra", representando algo así como "gritos del cosmos" a veces. El segundo movimiento es un presentimiento fúnebre por su idolatrado Wagner en 1882, un año antes de morir el ídolo: pero ese lado oscuro dialoga permanentemente con una atmósfera de exultación, de gran serenidad casi sobrehumana, en que triunfa un verso que luego incluirá en su Te Deum: "Non confundar in aeternum" ("No me veré confundido en la eternidad"), todo apuntando a la idea de Erlösung o Redención, y las visiones de una tierra paradisíaca. Felices canciones de un cosmos que tiene alma, queridas y queridos. Escuchar audio

En 1782, con 26 años, Mozart ya se había escapado de Salzburgo para Viena, después de que el Arzobispo Colloredo lo despidiera (con la legendaria parada en el trasero del Conde Arco). Ese salto al mundo del freelance cambió su vida, y tal vez la historia. Mozart se hizo muy famoso, ganó mucho dinero, se casó con Constanze (bueno, no en ese orden exactamente...) y desarrolló su talentazo (o su genio) con una libertad que lo ha hecho tan amado por todo el mundo, hasta hoy mismo. La Sinfonía "Haffner" es la banda sonora de aquellos días definitivos, y hoy os contamos sus secretos musicales y sus salseos. Escuchar audio

La figura de Cristóbal Colón ha sido reverenciada y recientemente reprochada. En la historia de la música, como en la del cine, también se han construido hagiografías y apóstrofes sobre Colón. Aun así, Colón no ha tenido tantas músicas como Don Quijote o Don Juan. La primera obra considerable sería de un nieto de Bach, Wilhem Friedrich Ernst Bach: Colón o el Descubrimiento de América (¿principios del siglo XIX?), que canta su valentía y termina con fanfarrias de gloria. El primer famoso que hace música sobre Colón es el joven Wagner: Obertura Cristóbal Colón (1834), con su introducción misteriosa, su tema del heroísmo y sus tormentas. En el siglo XX tenemos a William Walton: Cristóbal Colón (1942), con aires granadinos para la Reina Isabel, sones indígenas para la isla de Guanahaní, y coros gloriosos. Y entramos en el mundo del cine: Arthur Bliss compuso la música para La verdadera historia de Cristóbal Colón (1949), donde sí aparecen las penumbras que rodearon sus viajes, y el menosprecio que recibió de sus contemporáneos al final de su vida. En 1992 tenemos las dos películas más celebradas: Cristóbal Colón, el Descubrimiento, con música de Cliff Eidelman, que desarrolla dos temas con la técnica del leitmotiv: el tema de Colón y el tema del Descubrimiento, y atraviesan diversos estados existenciales: la duda, la perseverancia, el "paraíso perdido" de los indios tahinos, y aclamaciones finales para la posteridad. La banda sonora más difundida es la de Vangelis para Riddley Scott: 1492, la Conquista del Paraíso (1992). Aquí parece que la música porta ciertos sabores medievales cuando Colón se encamina al Nuevo Mundo, y también retrata "Light and Shadow" en otro de sus temas. La música de Vangelis nos sirve para situar a Cristóbal Colón: sus exhortaciones de "tratar a los nativos con respeto"; las atrocidades cometidas -sin embargo- por algunos desalmados, que hoy se cargan sobre Colón; el presentismo con que se ha mirado su figura; su ambición personal versus su generosidad hacia los indígenas en su testamento... Pero, sobre todo, el viaje de Colón fue un trayecto desde la superstición hacia la realidad, la ciencia, es decir, la luz. Eso lo corrobora el temazo de Vangelis con el que acabamos. Escuchar audio

Queridas y queridos: Inauguramos con mucha gratitud ¡¡la Temporada 14!!, con ya casi más años que Blacklist (nos ambientamos con "Happy Together" de The Turtles), Walking Dead (ponemos el temazo de Bear McCreary), y en la inefable compañía de Yoko Ono (...o no, perdón: Jessye Norman en el Erwartung ¡¡de nuestro inefable Arnold!!). Buenas vibras para inaugurar: Marching Song de Gustav Holst. Y reflexionamos sobre cómo ha evolucionado la narratividad en la historia de la música, como camino de empatía artística, o de cercanía: la teoría del homo fabulans. Repasamos el experimento de la profesora Elizabeth Margulis con la Sinfonía Dante de Liszt. La música nos remueve memorias y ensoñaciones: Siciliana de Fauré. Repasamos toda la historia de la música otra vez con esta perspectiva del homo fabulans: el gregoriano "Ortum predestinatio", el trovador Moniot D'Arras; la Missa de Machaut y su canción "Douce Dame Jolie"; el "Pie Jesu" de Cristóbal de Morales; el "Rodrigo Martínez" del Cancionero de Palacio; el Mundus et Musica de Ramos de Pareja; la llegada de la ópera con Orfeo de Monteverdi; las tormentas de Vivaldi en su Tempesta di mare; la quasi narratividad en el Concierto de Brandenburgo nº3 de Bach; la Sinfonía 34 de Mozart; y el salto al amanecer idealizado pero poderoso de la Sinfonía 12 de Shostakovich. Acabamos con música muy contemporánea: la primera interpretación extra-planetaria de la historia, con la ingeniera espacial y violinista Sarah Gillis, septiembre de 2024, en la misión Polaris Dawn, tocando el tema de Rey (Star Wars de John Williams) coordinada con orquestas terrestres. Felices amaneceres galácticos, queridas y queridos,,, Escuchar audio

Terminamos nuestra súper-Temporada 13 repasando los greatest hits de estos últimos 9 meses de programa según las plataformas: 10) Schumann, 9) Mendelssohn, 8) Beethoven, 7) Rachmaninov, 6) Prokofiev, 5) Wagner, 4) Mozart, 3) Korngold, 2) Shostakovich y... 1) ¡¡Bach!! Palabras de gratitud para todos nuestros amigos-as, especialmente para Ángel Carmona en Mañana Más (RNE). Intervenciones y vindicaciones de jóvenes representantes de la audiencia: Cora Navarro (vindicación de la zarzuela), Helios Pardell (vindicación de la ópera italiana y de Johann Strauss) y el musicólogo divulgador César Lucas, autor del portal "Arte sin Dormirte" en Instagram, sobre la necesidad de aproximar nuestro tesssoooro a los jóvenes zetas, panas y jambos-as, desde la divulgación y la gestión. Mil gracias por este apasionante viaje, por vuestro entusiasmo y vuestra receptividad generosísima. Feliz verano lleno de paisajes y sonidos reveladores, luminosos, espejos de mundos más bellos que éste,,, Luis Ángel de Benito https://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-y-significado/ https://www.facebook.com/musicaysignificado.luisangeldebenito/ Escuchar audio

"El príncipe y el mendigo serán hermanos", dirá el Himno a la Alegría de Schiller, al que Beethoven pondría música tres años antes de morir. Pero casi 30 años antes, en 1798, Beethoven ya está expresando en música ese mismo concepto. Beethoven conjuga lo plebeyo con lo patricio en este primer movimiento: primero, una profunda interrogación existencial (como si fuese Otelo, o Hamlet, o Macbeth), después un tema proactivo/heroico, y después un tema casi de pasodoble popular... Y todo basado en un semitono que baja o que sube... Beethoven está convirtiendo en poema épico su ideal democrático. El segundo movimiento es un oasis de paz casi familiar, confidencial, que hoy día sigue apareciendo en películas, canciones y anuncios. Y el tercer movimiento vuelve a la tonada popular, alternada con escenarios clásicos y "respetables". Esta misma idea la reproducirá en otras músicas de esos días, como el Concierto nº2 para piano y orquesta, cuyo primer tema se ha dicho que podría haberle venido de México, traído por los jesuitas de Nueva España, especialmente por Pfepfferkorn: el tema que luego se convertirá en "El Perico", canción mariachi. Acabamos con la genial Hiromi y su versión de la Patética de Beethoven en su disco "Voice". Escuchar audio

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Pues continuamos con la Tetralogía El anillo del Nibelungo de Wagner, el ciclo escénico más ambicioso y más influyente en la historia del arte. Esta vez nos introducimos en Sigfrido (1871). Partimos de la cueva del grotesco y egoísta nibelungo Mime, donde se ha criado el joven Sigfrido sin conocer a su madre ni a su padre. Y tampoco conoce el temor. Repasamos los leitmotivs de la forja (relacionada con el grito de las hijas del Rhin), la espada Nothung, la trompa de Sigfrido, el tema heroico de Sigfrido, el motivo de la servidumbre, los temas de los welsungos (hijos de Welse, o sea, del gran Wotan). Aparece Wotan con su leitmotiv (el tema de la lanza): quiere que Mime le ayude a quitarle el Anillo del poder al ladrón gigante Fafner, que vive en otra caverna transformado en dragón. Pero Mime tiene otros planes: fabricar una espada invencible, dársela a Sigfrido, y que éste mate a Fafner... y, tras todo ello, Mime matará a Sigfrido para quedarse con el Anillo y ser el emperador de mundo. Sigfrido acaba fabricando la espada invencible él mismo. Con ella llega a la morada del gigante/dragón Fafner y lo mata (leitmotiv y aullidos feroces de Fafner). El pájaro del bosque le revela dónde está Brunilda durmiendo, esperando al hombre sin temor que atraviese el fuego prohibido. También le revela que el grotesco Mime quiere envenenarlo para quedarse con el Anillo. Sigfrido mata a Mime. Después marcha al encuentro de Brunilda. Y la ópera acaba con ese subidón existencial de los dos jóvenes que acaban de encontrar su destino, y su confianza apartará su temor para siempre. Todo ello culminará en El crepúsculo de los dioses, la ópera final de la Tetralogía. Felices derrotas de los dragones y despertares gloriosos, queridos, as... Escuchar audio

Un checo en tierra de iroqueses y kickapoos (1893), en medio de las leyendas de Hiawatha y su amada Minnehaha, justamente en las cascadas de Minnehaha (en Minnesota, donde le fue revelado un tema de la Sonatina), recibiendo en su casa de Spillville (Iowa) a Big Moon, Large Head y John Fox (están en la foto), quienes les cantaban y le bailaban sus canciones quizá milenarias... Todo entra en su Sinfonía del Nuevo Mundo, por supuesto, pero quizá más en su Suite Americana, su Quinteto Americano, y su inolvidable Sonatina para violín y piano, que compuso para sus hijos Otilia (15 años) y Tonik (10 años). El mestizaje como verdadera "evolución" de la música (si es que eso existe, con permiso del Gran jefe Shawn-Bergh))),,, Escuchar audio

Hasta Chopin, los "estudios para piano" (tipo Cramer) eran ejercicios más o menos bonitos para desarrollar el abductor del pulgar y el extensor carpiano radial y el músculo inter-óseo dorsal... Chopin veinteañero (1830-1835) convierte los estudios para piano en estudios del alma humana. Pueden ser exhalaciones de vitalidad juvenil (Estudio "de las teclas negras"). Pueden ser fuerzas desencadenadas de un "océano interior" (Estudio op. 25:12) en que presenta su famoso procedimiento del "tema sombra" -semejante al "personaje sombra" de la literatura-. Pueden ser melodías inmortales (Estudio op. 10:3, apodado "Tristesse"), en que Chopin presenta otro de sus universos: el "paisaje de fondo" que se monstruifica. O pueden ser "torrentes" impulsivos, siempre bellos (Estudio op. 10:4). Incluso a veces Chopin indicaba imágenes: el pastorcito que tañe su flauta para refugiarse de la tormenta en el Estudio op. 25:1, donde la flauta acaba imponiéndose a los truenos amenazadores. Chopin, tras la caída de Varsovia en 1831 y el famoso "Diario de Stuttgart", entra en su segunda época, muy cerca de esa doctrina de Miczkiewicz de "la Polonia sufriente y redentora". De ese espíritu brotarán cosas como el Estudio en Si menor, o el Estudio en La menor, ambos de la opus 25, como un clamor violento. Aunque también él escribía a su hermana Ludwika que habitaba una vida más feliz: Estudio en Fa mayor ("El jinete" apodado apócrifamente); Estudio "de las sextas"; o reflejaba su faceta de mimo cómico en sus recitales: Estudio en Sol bemol ("Mariposa"). Pero mucha de la inmensa fama actual de Chopin se debe a cómo daba sentido a la tristeza, a su famosa melancolía, y esa capacidad que infunde para "llorar con los que lloran": el Estudio en Do sostenido menor (op. 25:7) se inspira en la famosa aria de Norma de Bellini, "Teneri Figli", otra vez relacionada con el sacrificio. Quizá el estudio más recordado de Chopin es el "Revolucionario" (op. 10:12), compuesto como un grito de indignación tras la masacre que los cosacos (los "moscovitas") cometieron en Varsovia en 1831. Uno de sus rasgos más memorables es convertir el "paisaje" en retrato del "protagonista", o viceversa (como ocurrirá en las novelas de las hermanas Brontë); y otro es el del constante rumor de sus amigos caídos. Felices revoluciones del ánimo, queridos-as, y felices tristezas moldeadas por la belleza. (Versiones de Maurizio Pollini, Mariana Gurkova, Katia Buniatishvili, Kassia y Janina Fialkowska),,, Escuchar audio

Queridos-as:: si os habéis recuperado de Eurovisión, aquí está Brahms para compensar, a ver si re-eleva nuestras mentes y nuestras almas. Música que "flota como una fragancia", que "desaparece como un hálito", que "palidece como una niebla gris"... y que canta al amor lacustre de aquel genio cárcavo (53 años) por Herminie Spies (29 años), amor tan bello y lejano como el azul intenso del Lago Thun visto desde los Alpes suizos. Como siempre, Brahms creador de vida en cada célula/embrión musical que forma temazos o se desliga por la estructura con vitalidad propia. El amor "se mueve como una melodía suavemente por mi mente", según el verso de su amigo Klaus Groth (67 años y también flirteando con la Herminia). Felices amores lacustres y azules intensos, queridos-as,,, Escuchar audio

Volvemos a Beethoven haciendo bandas sonoras, espectáculos... Es curioso que aceptase con tanto entusiasmo un encargo: Las criaturas de Prometeo (1801), el héroe que quiere otorgar la vida o el fuego de la divinidad a los seres humanos. En la Obertura ya vemos a Prometeo correr bajo la ira de los dioses, hasta el segundo tema, que son sus estatuas de arcilla. Se desata una tormenta (precursora de la de la Pastoral). Y después vienen 16 números: desde el primer aliento vacilante de las estatuas hasta que la rabiosa Melpómene (musa de la tragedia) le clava su daga al infractor. En medio aparecen el tribunal de Anfión, la musa Euterpe, Apolo transmitiendo el equilibrio y el Iluminismo, el dionisíaco Dionisio o Baco (que les enseña la danza heroica), Pan (que les enseña la canción pastoral), Thalía, etc. Al final Prometeo será resucitado y todos bailarán con las máscaras de Thalía... Pero lo realmente importante aquí es la transferencia Beethoven-Prometeo. ¿En qué sentido Beethoven es Prometeo?... Por eso usa el tema de Prometeo, hasta hacerlo titánico en el final de la Tercera Sinfonía. Y, como hablamos de Thalía, nos despedimos con la Orquesta Metropolitana y el Coro Talía, dirigidos por Silvia Sanz Torre, en un medley de canciones setenteras arregladas por Alejandro Vivas. Saludos heroicos-prometeicos, queridas y queridos Escuchar audio

Realmente Chopin no llegó a completar un Concierto para piano y orquesta nº3, pero comenzó a componer uno en 1841 (31 años), y lo dejó a medias, publicándolo como Allegro de Concert, para piano solo, con un temazo tipo himno de exaltación polonés, y unos vértigos sonoros de los suyos. Varios compositores pianistas, años más tarde, completaron y orquestaron este movimiento, y quizá la versión más celebrada es la de Jean Louis Nicodé hacia 1885, que es la que damos hoy, soñando cómo habría sido otro genial, inolvidable, concierto de Chopin. Aquí no hay ambiente nocturno ni sentimentalidad almibarada: hay bravura, brillantez, júbilo, fuerza existencial. Chopin en esos días tenía una vida de "compañerismo" (explicamos eso) con George Sand (Aurore Dupin), de amistad muy cercana con Paulina García (Pauline Viardot), de relación amistosa/cordial/admirativa con Franz Liszt, quien a su vez vivía con la condesa Marie D'Agoult y con el amor/odio que ella profesaba hacia Aurore. Contamos algo de esos salseos, y de la visión sarcástica que nos ofrece Balzac de esas relaciones humanas. Por allí también se movía Heine... No todo fue alegría de vivir: Chopin se aislaba de aquella jet-set, o convivía con su enfermedad (que era su auténtica compañera constante) y escribía cosas como la Polonesa en Fa# menor. ¿Cuál habría sido el Finale de su Tercer Concierto?... Nosotros proponemos la Gran Polonesa de 1831: ¡¡justo!!, la que toca Vladislav Szpilman al final de la peli El pianista, tras los horrores nazis en Varsovia. Eso es conjurar el dolor con belleza, y eso es regresar al maravilloso hogar que la memoria convierte en leyenda. Felices regresos legendarios, queridos-as. Luis Ángel de Benito https://www.rtve.es/alacarta/audios/musica-y-significado/ https://www.facebook.com/musicaysignificado.luisangeldebenito/ Escuchar audio

En 1801, con 30 años, Beethoven busca agradar a los pocos que todavía dicen que su música "estalla de una manera antipática, salvaje, sombría y triste". Por eso compone la Sonata en Fa mayor para violín y piano, que más tarde (no por él) sería llamada "Primavera". Beethoven también sabe ser genio en lo convencional, en lo agradable, y derriba esas leyendas de que "no era buen melodista" (eso lo dijo Stravinsky de él). En esta Sonata, Beethoven exhala gratitud, felicidad, una extraña ternura, espíritu lúdico, ímpetu romántico... que tendemos a relacionar con sus encantamientos amorosos nunca culminados, esta vez con Giulietta Guicciardi, que lo rechazó por "plebeyo". También, como contraste, escuchamos el Finale del Trío en Do menor (con la opinión de su maestro Haydn), y el primer movimiento de su Segunda Sinfonía, que compuso como ce lebración íntima contra sus fantasmas, sus crisis suicidas y sus desengaños. Felices primaveras invencibles e indoblegables, queridos-as,,, Escuchar audio

Re-visitamos el evocador poema sinfónico El Moldava de Bedrich Smetana, pero ahora dentro de ese grandioso poemario que es el el ciclo Mi Patria. Escuchamos Vyšehrad, "El alto castillo" (1874), con el arpa del bardo Lumir, sobre la mítica jueza Libuše en el siglo XI y los pioneros Premislidas. Por los muros y corredores de la fortaleza se sienten un rumor legendario: el gran tema del Vyšehrad, con sus invasiones, sus festejos descomunales, y el tema que perdura como el espíritu de la patria checa. Sigue El Moldava (1874). Smetana recogió una melodía que nos remite a los ancestros, a abuelos o bisabuelos casi milenarios, porque está en muchas culturas (Italia, Inglaterra, Ucrania, Rumania, los judíos moldavos...). La música recorre las fuentes del río, los prados y bosques, una boda campesina, una noche de náyades, palacios flotando, los rápidos de San Juan, la majestuosa llegada a Praga con el Vyšehrad, y su desembocadura en el Elba. Un río como una vida entera... Después, Sarka (1875), la Guerra de las Doncellas, en que se escucha el lamento de la legendaria amazona por los bosques bohemios, y se enfrenta a las tropas de Citrad, hasta que se desencadena el horror de la matanza final por las guerreras de Sarka. Escuchamos fragmentos de Por los bosques y prados de Bohemia (1876), y resumimos los últimos dos poemas. Tábor (1878) es la ciudad bohemia de los rebeldes husitas en 1408, cuando se levantaron contra los abusos del papado medieval. Blaník (1879) es el refugio de los caballeros husitas, que duermen en la roca hasta que sean despertados y guiados por San Wenceslao, en busca de la libertad, en los últimos tiempos. Épica y afectos familiares con grandiosa belleza constante, queridos-as. Acabamos con ese jazz sutil de la pianista y compositora Younee: Moonlight en the Moldau, sobre esta melodía eterna. Felices glorias libertadoras,,, Escuchar audio

Empezamos con el Scherzo de la Heroica, dirigido por Alondra de la Parra (que, por cierto, traerá a la ORCAM toda su maestría y su encanto artístico en las próximas temporadas... Así que ¡¡genial!!). La Heroica es de los mismos meses en que Beethoven se ha decidido a "agarrar al Destino por el cuello" y ha compuesto su Sonata nº 23, Appassionata, en 1804. Y la ha compuesto (según Schindler) bajo los fantasmas de La Tempestad de Shakespeare. En la Appassionata, Beethoven crea uno de los más memorables "temas sombra" (un tema derivado de otro principal y con psicología opuesta, como los "personajes sombra" en narrativa). Y además evoca el "motivo del Destino", que sólo alcanzará su desenlace -y su transformación- cuatro años más tarde, en la Quinta Sinfonía. Sobre su tercer movimiento, tan vertiginoso, Ries nos dice que le brotó a Beethoven, como una obsesión y como un aullido, mientras se perdieron por la espesura camino a Döbling. Salseos variados: no hay pruebas de que Beethoven pensase en Teresa Malfatti, ni en Teresa Brunswick, ni en Santa Teresa de Ávila... cuando compuso esta Sonata. Más bien se relaciona con la virtuosa Marie Bigot (bueno, y con su marido), con quienes su relación se columpió de vez en cuando... Ahí lo explicamos. Y terminamos con una visión contemporánea, radiante, en una suerte de jazz tornasol que propone la compositora Paloma Cosano: Pathetique, con la big band "Paloma y otros pájaros". Felices y aladas tempestades, queridas y queridos,,, Escuchar audio