Musiques du monde - Playlist "fete de la musique" et entretien avec Poirier Dj et producteur de Montreal

Suite à la disparition de Toumani Diabaté, RFI rend hommage à ce grand maître malien de la kora, avec la rediffusion d’un numéro de Musiques du monde de 2014. Laurence Aloir y recevait en session Live Toumani Diabaté et son fils Sidiki Diabaté. Toumani Diabaté est un grand maître de kora au Mali. Ses collaborations, ses rencontres sont un faisceau d'indices qui montre l'ouverture du musicien, le flamenco de la famille Ketama, Taj Mahal, Ry Cooder, Ali Farka Touré, Afrocubism, Arnaldo Antunes... Aujourd'hui, Toumani présente son fils Sidiki Diabaté avec l'album Toumani et Sidik», un jeune homme qui a intégré le répertoire traditionnel mandingue, que les griots s'enseignent de père en fils, tout en menant une carrière de beat maker avec son binôme rappeur Iba One. À lire aussiBiographie de Toumani Diabaté Page Facebook de Sidiki Diabaté

Playlist mensuelle de Sophian Fanen, qui chronique 5 albums de son choix et #SessionLive avec le groupe franco-argentin Cuarteto Tafi #RFI talent. Playlist Sophian : - Meryl et Jocelyne Béroard, Siwo, tiré de l'album Caviar 1 (Maison Caviar, 2024) - Sages comme des sauvages, Répare ou pas, tiré de l'album Maison Maquis (Capitaine Records, 2024) clip - Kankawa Nagarra, Wirlmarni, tiré de l'album Wirlmarni (Mississippi Records, 2024) - Bedouin Burger, Ya Habibi Taala, tiré de l'album Ma Li Beit (PopArabia, 2024) - Olof Dreijer et Diva Cruz, Acuyuye, tiré du EP Brujas (Rabid Records/Dekmantel Records, 2024). Sophian Fanen : Instagram ; X. Puis nous recevons le 4tet Cuarteto Tafi, artiste RFI Talent, pour la sortie du 5 album El Infinito Y Un Amor C’est lors d’un voyage en Argentine, sur les terres colorées et arides du Nord-ouest argentin, que ce quartette franco-argentin se retrouve pour la première fois. Perchés sur une montagne de 3 000 mètres, en arpentant les scènes ouvertes populaires, les musiciens décident d’appeler cette rencontre musicale et humaine el Cuarteto Tafi. Depuis ses débuts sur la scène française, le groupe a apporté sa touche personnelle et originale à la world music en mêlant du chant en espagnol poétique et engagé – douce nostalgie de l’exil argentin de la chanteuse – au son de la Méditerranée orientale du bouzouki grec, à la douceur et à la dextérité de la guitare flamenca et aux rythmes envoûtants des percussions afro-latines. Chacun avec son histoire et ses influences métal, salsa, flamenco, rock. De ces différentes personnalités et histoires musicales, ils ont réussi à créer une entité, 5 albums et une notoriété remarquée dans la scène nationale. Leur musique nous murmure le monde avec ses aigreurs, ses failles, ses injustices mais aussi ses beautés et ses bourgeons d’espoir, ses amours, ses combats. El Infinito Y Un Amor, le nouvel opus de Cuarteto Tafi, est un nouveau chemin emprunté. Plus rêveur, plus méditatif et vagabond, cet album confirme le talent de composition du quatuor. Ils créent et varient les ruptures et contrastes en racontant des histoires et des états d'âme. Tel un horizon jamais atteignable mais qui nous fait avancer, il est composé de 11 chansons et d'autant d'hymnes à la vie que d’hommages aux grandes causes humanistes qui nous traversent et nous bouleversent. Titres interprétés au grand studio, filmés par RFI Vidéos - Un Jacaranda Live RFI - Solo Le Pido a Dios, cover Mercedes Sosa voir clip - Palomas Blancas Live RFI Line Up : Leonor Harispe, chant, Ludovic Deny, bouzouki, choeur, Matthieu Guenez, guitare, oud et Frédéric Theiler, percussion choeur. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album El Infinito Y un amor (Daydream Music 2024). Réalisation : Donatien Cahu. Web - facebook - YouTube - Instagram. Mini concert sur YouTube où le Cuarteto Tafi joue 4 titres du nouvel album.

Du Baiser Salé au lac Léman, en regardant le Brésil, l’Amérique du Sud ou le Cameroun, jazz à tous les étages ! Live ! (Rediffusion) Notre 1 invité est le groupe Mr Mâlâ qui présente son 1 album Mr Mâlâ. « My name is Monsieur MÂLÂ I’m not a human, I’m a machine. » Les paroles de Storyteller, qui introduisent le premier album de Monsieur MÂLÂ, font office de présentation : le quintet est une machine dont la conception serait empirique et la production organique, capable de nous raconter des histoires au moyen de musiques instrumentales. Ses rouages ont pour noms Nicholas Vella (piano, Fender Rhodes, claviers), Swaéli Mbappé (basse, guitares), Yoann Danier (batterie), Robin Antunes (violon, mandoline) et Balthazar Naturel (saxophone, cor anglais, clarinettes, flûtes). Ces fortes personnalités, dont les complicités sont anciennes, sont tous des leaders ou des sidemen reconnus dans la sphère du jazz et de ses satellites. Leurs bagages techniques, leurs influences cosmopolites et leurs âmes voyageuses touillent une décoction de funk et de rock, de musiques africaines et caribéennes, tout en ingérant les nouvelles tendances urbaines et électroniques. Ni fusion ni métissage : Monsieur MÂLÂ n’est que l’expression naturelle et assumée de cinq multi-instrumentistes composites. L’histoire s’est écrite entre deux pôles, l’académisme des formations en conservatoire et la liberté des jams en club. Nicholas Vella, Sicilien installé en France depuis une douzaine d’années, entré en 2012 au conservatoire à rayonnement régional de Paris, a accompagné Mayra Andrade, Paco Séry et Ibeyi. Mais sa première scène parisienne fut celle du Baiser Salé, rue des Lombards, déjà avec Swaéli Mbappé, un habitué des lieux puisqu’il y débuta à 15 ans. Enfant de la balle, passé par le saxophone et la batterie avant d’adopter l’instrument de son père, l’illustre bassiste Étienne Mbappé, Swaéli est devenu professionnel avec Blick Bassy avant d’accompagner Mamani Keita, Cheick Tidiane Seck et des artistes de variétés (Tal, Shy’m, Zaz). Titres interprétés au grand studio - Ai De Mim avec EU.CLIDES Live RFI - Al Fayhaa, extrait de l’album Mr Mâlâ - Fly Fly Live RFI. Line Up : Robin Antunes : violon, mandoline ; Balthazar Naturel : saxophone, cor anglais, clarinette, flûte ; Nicholas Vella : piano, Fender Rhodes, claviers ; Swaéli Mbappé : basse, guitare ; Yoann Danier : batterie et EU.CLIDES : chant sur Ai De Mim. Son : Mathias Taylor & Jérémy Besset. ► Album Mr Mâlâ (Art District Music 2024) Chaîne Youtube. Puis nous recevons le guitariste suisse Louis Matute pour la sortie de son 4 album Small Variations From The Previous Day. Euphorisante et douce-amère, la musique de Louis Matute ne ressemble qu’à lui. Partagé entre l’Europe qui l’a vu naître et l’Amérique latine qu’il a rêvé, cet enfant de la génération Z, trop entier pour la fiction du réel et trop sincère pour la fiction de soi, rouvre en grand les portes de son univers. Un son, un talent fou de raconteur, un folklore qui se dessine : dans ce superbe quatrième album, sa musique n’a jamais paru si proche et foisonnante. « Je n’ai jamais écrit de mélodie sans la chanter en même temps » confie-t-il. Teintées de pop et de saudade, celles-ci vous iront droit au cœur, laissant flotter dans l’air un brin de magie. Tourné vers le Brésil et l'Amérique Centrale, nourri de jazz et d’une pop élégante, Small Variations from the Previous Day est un disque-monde, animé par un « Large Ensemble » toujours plus étoffé, catalyseur d'émotions. Titres interprétés au grand studio - Narcissus Live RFI - Alma No Mar Feat Gabi Hartmann, extrait de l’album Small Variations From The Previous Day - 2000 Years Live RFI. Line Up : Léon Phal, saxophone ténor ;Zacharie Ksyk, trompette ; Andrew Audiger, piano, Rhodes ; Nathan Vandenbulcke, batterie ; Virgile Rosselet, contrebasse et Louis Matute, guitare électrique. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant & Réalisation : Donatien Cahu. ► Album Small Variations From The...

Du monde des esprits aux mondes du jazz, 2 groupes sont invités dans la #SessionLive Bab’L’Bluz et Akagera. Entrer dans l'univers de Swaken, le très attendu 2ème album du power quatuor franco-marocain Bab L' Bluz, qui sortira le 10 mai sur Real World Records. Swaken est composé de onze morceaux qui pétillent et pulsent avec une énergie cinétique. Suivez la spirale et trouvez votre centre. Bougez et tourbillonnez, headbangez et fouettez vos cheveux, dans un état qui est à la fois extérieur et intérieur, un état altéré où les esprits s'ouvrent, les frontières tombent et la confiance - dans les valeurs, les principes, nous-mêmes - est redécouverte, concrétisée. Swaken (origine : Moroccan Darija) - possessions, transcendance ou Esprits habitant les humains. Il s'agit d'une musique enracinée aussi bien dans le blues psychédélique, le funk et le rock que dans les rythmes de transe du Maghreb nord-africain : Gnawa, Amazigh, Hassani et Houara. Enregistré dans les studios Real World à Wiltshire, en Angleterre, écrit en partie au Maroc – lieu de naissance de la lead/chanteuse Yousra Mansour – et surtout au cours d'une tournée mondiale qui a renversé les salles et les festivals d'Adélaïde, de Barcelone et de New York à Essaouira au Maroc, à Lomé au Togo et à Dougga en Tunisie. La voix mélismatique de Mansour n'a jamais sonné avec autant de force, ni les riffs de son luth électrique awisha aussi puissants. Ses coéquipiers Brice Bottin, Ibrahim Terkemani, Jérôme Bartolome (aux claviers, flûtes, guembri électrique, batterie, chœurs et castagnettes qraqeb) interagissent avec ce qui pourrait être de la télépathie, leur jeu étant habile et serré. Se perdre pour se retrouver est un principe central de Swaken, un album dont le son analogique chaleureux fait un clin d'œil à des icônes du rock des années 70 comme Jimi Hendrix, Led Zeppelin et Nass El Ghiwane, les Rolling Stones du Maroc, des guerriers de la justice sociale qui ont mélangé le rock et le folk occidentaux avec une esthétique de transe influencée - comme celle de Bab L' Bluz - par les lilas gnawa, les rituels de guérison nocturnes destinés à la possession d'esprits sacrés. «Les tournées incessantes ont renforcé notre confiance et notre puissance», explique Mansour à propos du groupe qu'elle a cofondé en 2018 avec le guitariste français, joueur de luth guembri basse et multi-instrumentiste Brice Bottin, qui a coproduit Swaken avec Katie May, dans la Wood Room des studios de Real World Studios. «Nous avons adapté notre son aux foules des festivals, nous l'avons rendu plus lourd, plus rock. Nous avons ajouté plus d'instruments. Plus de courage. Plus de feu.» «Nous aimons l'énergie du rock», ajoute Bottin, qui manie également les sirènes dub et joue de la guitare, du banjo, des percussions et de la flûte peul d'Afrique de l'Ouest. «Vous branchez votre instrument et vous rendez les gens fous. Le rock est né du blues. Les deux sont liés à la musique de transe. On peut écouter attentivement, ou headbanger, et être complètement emporté». La plupart du temps, Mansour écrit et chante en darija, son dialecte maroco-arabe, et la langue préférée du mouvement Nayda («nayda» signifie «haut» en darija). Sur Swaken, elle aborde des sujets controversés tels que les lois marocaines sur l'héritage, les disparités salariales entre hommes et femmes et l'augmentation des cas de suicide et de dépression, tout en appelant à l'unité, à la tolérance et à la gentillesse dans un monde de plus en plus fragile. «Il arrive encore que nous soyons confrontés à des attitudes dépassées», déclare Mansour en haussant les épaules. «Ce qui ne fait que renforcer ma détermination à exprimer tout ce que je ressens. Je ne me censurerai pas. » Titres interprétés au grand studio - Imazighen Live RFI voir le clip - Iwaiwa Funk - Amma Live RFI. Line Up : Brice Bottin, guembri, Yousra Mansour, awisha + mandole, Mehdi Chaib, flûtes et percus, Brahim Terkemani, batterie et spds. Son : Jeremy Besset & Mathieu...

#SessionLive x 2 avec l’auteure, interprète, compositrice réunionnaise Ann O’Aro & la harpiste, chanteuse et cheffe de chœur Sophye Soliveau. (Rediffusion) Notre 1 invitée est Ann O’Aro pour la sortie de son 3 album Bleu #SessionLive Après le premier album éponyme (Ann O’Aro), un album tournant autour de l’intime et des violences familiales, et le second (Longoz), qui propulse son trio (Teddy Doris au trombone, Bino Waro aux percussions), voici BLEU, troisième opus de la Réunionnaise Ann O’Aro. qui joue ici du piano pour accompagner son chant. Le maloya de l’île de La Réunion respire toujours hors des sentiers battus avec l’arrivée de Brice Nauroy, un quatrième musicien qui embarque le son avec ses « machines ». Pour Ann O’Aro : « Le quartet esquisse des ports, sacs de riz sur les ponts, cancrelats et corsaires pris dans des estampes où le sang est laissé à sa seule qualité de fluide. Ostinato et bourdons sous le chant perçant la brume et les ressacs d’une mer fielleuse, relents pianistiques couleur boîte à musique, trombone stridulant, éclats de tôle et cris du fer bouillant le long du staccato continu du pikér, commérages de bord de nuit et temps de latence, harmonie révocable et restituée. Paysages grignotés par la fièvre du néant, nostalgie de l'enfance bleue arguant le branchage sec des arbres de la terreur dans la ouate blanche. » Titres interprétés au grand studio - Lanbordaz Live RFI - Bouyon Lo Rosh, extrait Bleu - Vane Lo Sor, extrait Bleu - Lak Otab, Live RFI. Line Up : Ann O’Aro : chant, piano, Teddy Doris : trombone, chœur, Bino Waro : percussions et Brice Nauroy : machines. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Bleu (Cobalt 2024). Réalisation : Donatien Cahu. Puis nous recevons la harpiste et chanteuse Sophye Soliveau pour la sortie de son 1 album Initiation #SessionLive. Sophye Soliveau est chanteuse, harpiste et cheffe de chœur, d’origine guadeloupéenne. Son amour des musiques afro-américaines, du R'n'b à la soul, en passant par le gospel, a pris racine dès son enfance, et elle a approfondi ses compétences en suivant un enseignement classique. Du détournement qui nourrit ses improvisations, la recherche de guérisons et l'apprentissage de la liberté, naît INITIATION, son premier album. La fougueuse célébration d'un R'n'b voluptueux. INITIATION se caractérise par son orchestration épurée. Les cordes vocales de Sophye et celles de sa harpe s’unissent, s’élèvent sur fond de chœurs aériens et d’une rythmique basse-batterie au groove précieux et subtil venant magnifier un répertoire original aux inspirations profondément soul. Après un concert complet au festival Banlieues Bleues, la release party prévue le 26 avril 2024 à la Boule Noire est déjà complète ! Elle sera en tournée cette année dans toute la France. Titres interprétés au grand studio - Leave Live RFI voir le clip - Extraits Alice Coltrane & Dorothy Ashby - Can’t Sleep, extrait de Bleu voir le clip - Simple Pleasures Live RFI. Line up : Sophye Soliveau : harpe et voix, Eric Turpaud : basse et chœurs, Florian Mensah : batterie et chœurs. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Initiation (Why We Sing 2024).

De la Guadeloupe au Brésil, MdM s’intéresse à la production monumentale des studios Debs à Pointe-à-Pitre et au nouvel et 5ème album de Flavia Coelho invitée de la #SessionLive. Notre 1 invité est le réalisateur Miguel Octave pour son film documentaire « Studio Debs », la folle histoire d’Henri Debs et son rayonnement dans la culture guadeloupéenne et caribéenne. Pour le réalisateur Miguel Octave, les Antilles sont une très importante zone de carrefours et de brassages culturels. Les musiques venues d’Afrique, d’Europe et des Amériques s’y croisent mais la grande force de cette région est qu’elle a généré de nouveaux genres musicaux : Gwoka, Biguine, Reggae, Calypso, Compas, Cadence, Salsa, etc. Évoquer le STUDIO DEBS, c’est parcourir l’histoire de cette musique, de la Guadeloupe dont la famille DEBS était originaire, à la Martinique sans oublier la Dominique, Haïti, Porto-Rico et les autres îles de la Caraïbe... Henri Debs fut un acteur majeur de ses musiques : il était musicien, auteur, compositeur, interprète, producteur et son domaine d'intervention couvrait l'ensemble de la région. Son frère George dit Jojo, installé en 1965 en Martinique, deviendra lui aussi un acteur incontournable de la vie culturelle locale en produisant des albums emblématiques comme ceux de Malavoi et Kassav, donnant ainsi à ses musiques, une dimension internationale. Playlist - Robertine, Henri Debs - Tu as calé le moteur, Henri Debs - Cuisse là, Les Aiglons - A wi sa byen bon, Max Séverin et Henri Debs. Projection du documentaire le 9 juillet au festival Les Suds d’Arles. Web Miguel Octave web - Studio Debs - Studio Debs sur viméo. Studio Debs à lire sur PAM. Puis nous recevons Flavia Coelho pour la sortie de son nouvel et 5 album Ginga Ce cinquième album principalement chanté en portugais est dédié aux musiques de cœur qui ont rythmé son adolescence, autrement dit, le son du début des années 90 jusqu’aux années 2000, que Flavia Coelho écoutait en boucle et parfois même, en cachette de son père, sur le petit poste de radio qu'il lui avait offert pour l'aider à s'endormir. Au contraire, pour la petite Flavia, c'est tous les soirs la fiesta, éveillée jusqu'à 2h du matin, écoutant dans son lit, le transistor collé à l'oreille, les musiques de clubs internationaux, les dj sets, les remixes, les hits comme «The rhythm of the Night» de Corona, devenu l'hymne de Flavia, son disque de chevet. Les années 90 représentent un grand bouleversement musical, mais aussi politique dans la vie de la chanteuse. De 1964 à 1985, le Brésil vit sous dictature militaire, Flavia Coelho qui est née en 1980, fait partie de la génération qui a pu profiter de toutes les musiques du monde entier avec l'arrivée des radios libres. Cette époque coïncide également avec une étape charnière et douloureuse dans sa vie intime. Le début de l'adolescence de la jeune Flavia a été particulièrement compliqué, marqué par le décès de sa mère à l’âge de 11 ans, et l’obligation de vivre avec son père. Ce père, ancien militaire, mélomane à ses heures, mais aux antipodes de l’esprit festif, du militantisme féministe et LGBT qu’incarnait sa mère, artiste maquilleuse-coiffeuse, reine de la nuit et des baile funk des cabarets brésiliens. Toute la discographie de Flavia Coelho repose sur son évolution personnelle, de la fougueuse et rêveuse adolescente, à la pétillante jeune femme engagée. L’histoire de son album précédent par exemple, DNA, sorti en 2019, a commencé lorsqu'elle avait 38 ans, précisément l’âge qu’avait sa mère lors de sa disparition. Un album que Flavia Coelho a naturellement consacré à ce qu'elle décrit comme «l'oeuf», c'est-à-dire, ses origines, mais aussi la richesse du métissage, de l’acceptation de soi et de la transmission, faisant par la même occasion écho à la situation politique du Brésil sous Bolsonaro à l'époque. Aujourd’hui, Flavia Coelho poursuit son exploration de l’identité et sa quête d'authenticité, en abordant les thèmes de la reconstruction, du...

Jazz, hip-hop, contemporain et chants pastoraux du pays basque, Julen Achiary et David Kiledjian sont nos invités. Haratago signifie « au-delà » en basque. le groupe emmené par Julen Achiary révèle toute la puissance du Basa Ahaide, expression vocale des bergers montagnards du Pays Basque. « Basa Ahaide »… Dans les montagnes souletines et plus particulièrement dans les Arbailles, les ancêtres, bergers, chantaient déjà ces chants liés à la nature, au monde sauvage… Les Basa Ahaide. Sans paroles, véritables calligraphies sonores, ils expriment le vol de l’aigle ou des chocards… mais aussi l’émerveillement et l’humilité de l’humain devant l’immensité de la nature. Les Basa Ahaide réclament du souffle, une force calme et profonde, de l’audace vers les cimes… pour que ces « chants longs », mélodies parmi les plus belles, prennent vie. Traditionnellement chanté en solo et a capella, Julen Achiary, inspiré de ses rencontres avec des musiciens de Turquie et d'Azerbaïdjan, revisite ce répertoire ancestral au sein d'un quatuor à la distribution inédite, avec Nicolas Nageotte à la clarinette et au duduk, Bastien Fontanille à la vielle à roue et au banjo, et Jordi Cassagne au violone (contrebasse de viole de gambe). Ces chants ancestraux, transmis de manière orale, retranscrivent l'émotion du berger chanteur devant la nature et sa vie en estive. Depuis sa plus tendre enfance, Julen Achiary les a entendus, écoutés… Puis il les a chantés. D'abord pour lui, avant de désirer trouver la forme qui lui correspondait pour la partager avec le public. Un projet où la voix, le violone, klarinet, duduk, amboès, vielle à roue ou banjo se croisent et s'entremêlent, chacun devenant tour à tour Aigle, ou son ombre furtive. Sur la terre, dans les espaces lumineux ou sombres des vallées et forêts montagnardes. ► Album Basa Ahaide (La Grande Folie 2024). Site Haratago - collection Territoires - facebook - Suds Arles 10 juillet. Puis nous recevons David Kiledjian dans la #SessionLive pour la sortie de The Otium Mixtape. Créateur à l’initiative de différents projets (Fowatile, HILA ou le successful Dowdelin...), réalisateur par ailleurs des albums du pianiste arménien Tigran Hamasyan ou de la formation malienne BKO, et collaborateur de Talib Kweli, Piers Faccini, Miguel Atwood-Ferguson, Foreign Beggars, Mathieu Boogaerts, Vaudou Game ; le musicien et producteur lyonnais David Kiledjian signe The Otium Mixtape, un tout premier opus revendiqué sous son seul patronyme. Bâties autour de l’idée d’oisiveté active chère aux citoyens de la Rome antique, ces 10 plages dessinent des ponts entre langues et folklores des 4 coins du monde, jazz, hip-hop et avant-gardes électroniques. Titres interprétés au grand studio - Under The Stars, Live RFI - Nioloti (La Nuit) Feat. Cindy Pooch, extrait de l’album, voir le clip - Jenny, Live RFI. Line Up : David Kiledjian, piano et sax, Judith Saurel, violon, chant et Claudine Pauly, violoncelle. Son : Benoît Letirant & Mathias Taylor. ► Album The Otium Mixtape (Underdog Rd 2024). Site Kiledjian/Underdog Rd - facebook - Tiny desk.

Une exploration des expressions contemporaines du taarab à Zanzibar avec Brain Boy, Siti Amina et l’équipe de la Dhow Countries Music Academy. Un reportage de Jeanne Lacaille en marge du Festival Sauti Za Busara (@sautizabusara). (Rediffusion) Formé dans le creuset du métissage zanzibari au XIXè siècle, mêlant influences africaines, arabes et indiennes, le taarab est LA musique traditionnelle de l’archipel, sa bande-son par excellence. À l’image de Zanzibar, syncrétique et composite par essence, quelles sont les nouvelles mutations du taarab ? Que dit-il de Zanzibar aujourd'hui et quelle est sa fonction ? Quelles sont ses perspectives d’avenir dans un contexte local de sur-tourisme ? Intimement lié à l'histoire politique de l'île, le taarab a-t-il encore un rôle à jouer sur l'échiquier local ? Que reste-t-il de l'héritage des pionnières ? Après Siti Binti Saad et Bi Kidude, le taarab est-il toujours un vecteur d'émancipation pour les femmes ? Nos invités : >> Lauréat d'un Zanzibar Youth Award en 2022 pour son EP The Return of Zenzi Flavor, Brain Boy est une jeune pousse du Zenji Flavor, mouvement hip-hop né dans les années 90 à Zanzibar qui sample abondamment taarab & kidumbaki dans un geste créatif et identitaire. Son rêve ? Un Grammy Award pour le taarab ! Nous retrouvons le jeune artiste côté studio chez Stone Town Records, en marge de son ultime répétition avant son concert sur la scène du festival Sauti Za Busara. >> Fondée en 2001 à Stone Town, la Dhow Countries Music Academy est à la fois une ONG et la seule école de musique de Zanzibar. Sa mission ? Préserver, transmettre et promouvoir les musiques traditionnelles de l’archipel, taarab en tête, à l’heure où toute la jeunesse tanzanienne n’a que deux mots à la bouche : singeli et afrobeats. Malgré ses quelques mécènes et sa trentaine d’élèves — qui pour certain.e.s viennent de loin pour étudier le taarab — l’avenir de la DCMA est menacé par le manque de soutien du gouvernement. Celui du taarab aussi ? Point sur la situation avec Halda sa directrice, le professeur Tryphon et deux jeunes élèves, Frank et Thureiya. >> Comme Siti Binti Saad et Bi Kidude avant elle, Siti Amina a déserté mariage et violences conjugales pour se consacrer à la musique. Frondeuse et féministe, elle est aujourd’hui la chanteuse du groupe Siti & The Band qui a bien décollé depuis sa formation à la Dhow Countries Music Academy avec un taarab aux fondations traditionnelles enrichi d'éclats jazz, de grooves funk ou reggae, et de feats audacieux. Après son triomphe sur la scène du festival Sauti Za Busara, elle nous donne rendez-vous à Hifadhi Zanzibar Majestic Theatre, l’un des derniers lieux de musique live et de culture à Stone Town, l’un des rares bâtiments historiques de la ville à ne pas encore avoir été transformé en hôtel par les promoteurs de la surmise en tourisme de l’archipel. Ce reportage pose les questions suivantes : Quelles sont les nouvelles mutations du taarab ? Que disent-elles de la société zanzibari ? Quelle est la fonction du taarab aujourd’hui ? Quelles sont les perspectives d’avenir dans un contexte de surtourisme ? Que reste-t-il de l’héritage des pionnières Siti Binti Saad et Bi Kidude ? Après elles, le taarab est-il toujours un vecteur d’émancipation pour les femmes ? À lire sur PAM Bi Kidude sur PAM.

Le oud et l’Égypte sont au cœur de cette double #SessionLive avec 2 virtuoses du luth : Tarek Abdallah et Mohamed Abozekry. Notre 1 invité est Tarek Abdallah pour la sortie de l’album Ousoul. Dix ans après le début de leur coopération pour leur premier album, Wasla (2015), Tarek Abdallah et Adel Shams El Din ont travaillé en complète harmonie pour bâtir ce nouvel opus. Leurs compositions se succèdent sur le modèle de la suite musicale proche-orientale, Wasla, qui enchaîne sur un même mode, maqâm, plusieurs formes chantées et instrumentales de cycles différents. Tout en gardant l’improvisation modale comme élément central (taqsîm mursal, non mesuré, et taqsîm muwaqqa’, mesuré), ils ont utilisé des cycles rythmiques traditionnels, dont certains étaient abandonnés, mais ils en ont aussi inventé de nouveaux. Cet album se compose de cinq suites instrumentales basées sur cinq modes/maqâm différents : Nahâwand, Higâzkâr, Râst, Bayyâtî et Sîkâh. Cette dernière, la plus courte, ne contient qu’une seule œuvre vocale. En arabe, le mot usûl, pluriel de asl, signifie : « origine, racine, fondement, principe ou encore matrice ». Tarek Abdallah est un compositeur, luthiste et musicologue égyptien, originaire d’Alexandrie, né en 1975. Il puise son inspiration dans l’âge d’or de l’art du oud égyptien en solo (1910-1930), qui est au centre de ses recherches musicologiques. Il grandit à Alexandrie et côtoie dès l’adolescence le milieu culturel local, et plus particulièrement celui du théâtre au sein duquel il débute la musique en autodidacte. C’est à 19 ans qu’il commence le oud, puis il rencontre Hazem Shaheen avec qui il fonde le groupe «Eskenderella» en 2000. En janvier 2005, la Maison du luth arabe du Caire lui décerne le diplôme de soliste et de professeur avec le prix d’excellence. Il reçoit parallèlement l’enseignement de plusieurs maîtres : le luthiste Hazem Shaheen et le grand compositeur et violoniste Abdou Dagher. Il se forme ensuite au chant marocain auprès de Saïd Chraibi et à la musique persane auprès de Darioush Tala’i. Depuis 2001, il vit à Marseille et obtient son doctorat en Musicologie à l’Université Lumière Lyon 2 en 2017. Tarek Abdallah multiplie les expériences liées à la transmission, à la diffusion et à la popularisation des savoirs liés au luth arabe à travers des créations, master-classes, conférences et ateliers dans toute la Méditerranée. Titres interprétés dans le grand studio - Agib Live RFI - Ya Qalbahu chanté par Adel Shams El Din - Nour Live RFI. Line Up : Tarek Abdallah (oud), Christian Fromentin (violon) et Youssef Hbeisch (percussions). Son : Benoît Letirant, Mathias Taylor. ► Album Ousoul (Buda Musique 2024). Suivre sur facebook - YouTube - instagram. La #SessionLive se poursuit avec Mohamed Abozekry pour la sortie de Roh El Fouad. Mohamed Abozekry. Né au Caire en 1991, compositeur franco-égyptien, virtuose du Oud, et chanteur. À 15 ans, il est diplômé de la maison du luth arabe au Caire et devient le plus jeune professeur de Oud au monde arabe. Deux ans plus tard, il remporte le premier prix au concours international de Oud de Damas en Syrie Après cette forte reconnaissance, Mohamed décide de prendre un chemin alternatif afin d’aller plus loin avec ses ambitions de jeune artiste. Il décide de partir en France à 18 ans, continuer ses études en musique classique et musicologie à l’Université de Lyon II. Ayant vécu à Lyon toutes ses années fondatrices, Abozekry fait partie de ces artistes qui ont quitté leur pays natal très tôt. Adopté en France à très bas âge, et c’est ainsi que sa carrière comme artiste a commencé de fleurir à l’international. Les allers-retours entre la France et l’Égypte lui permettent d’explorer de multiples pistes d’inspiration musicale. Il rencontre un grand nombre d’artistes et collabore avec différentes formations : groupes de jazz, de musiques des Balkans, orchestres classiques, mais aussi musiques traditionnelles extra-européennes ou musiques électroniques. En...

Playlist mensuelle et obsessionnelle de Sophian Fanen et #SessionLive de l’artiste catalane Nuria venue en 5tet. Ce mois-ci, le critique musical Sophian Fanen a choisi : - Ajate, Nagi Yoni, tiré de l'album Dala Toni (180g, 2024) - Liraz, Haarf, tiré du EP Enerjy (Batov Records, 2024) - Marina Satti, Zari, tiré de l'album P.O.P. (Golden Records, 2024) - Les Frères Timal, Asya, tiré de l'album Sé sa menm (Aztec Musique, 2024) - Pierre Vassiliu, Enfant roi, tiré de l'album Voyage (Barclay, 1975). Puis nous recevons Núria Rovira Salat pour la sortie de l’album Amor de Flores. Núria Rovira Salat est une artiste chanteuse et danseuse qui a fait de sa curiosité pour les cultures du monde une passion et un art. Après son premier EP La Madre où elle partage son univers en tant que femme, mère et artiste, elle poursuit son travail d’écriture en maniant ses deux langues maternelles, le catalan et l’espagnol ainsi que sa langue «de vie», le français. Núria a su toucher son public avec une vidéo à plus de 19 millions de vues sur YouTube, une version sensuelle de la chanson cubaine «Lágrimas Negras». Elle amène désormais ses influences vers une musicalité pop qui se nourrit de ses langues et de ses repères géographiques et stylistiques. Elle atteint ainsi de nouveaux territoires émotionnels en développant la thématique du langage des fleurs et de leurs couleurs, ce qu’elles évoquent dans leurs parfums et leurs symboliques (les amours, le réconfort, la floraison). Chanteuse, chorégraphe & danseuse catalane, formée en anthropologie ainsi qu'en danse orientale, tsigane et berbère, Núria Rovira Salat a fait de sa curiosité pour les cultures du monde une passion et un art. Elle débute sa carrière de danseuse en se formant à la danse arabe et berbère auprès de La Negra, Beatrice Lavielle, Lamia Saffiedine et Saâdia Souyah. Elle se rapproche également des danses tsiganes avec Pétia Iourtchenko, et Simona Jovic, entre autres. Elle devient en quelques années une référence dans ce domaine. Núria a dansé pour Stephan Eicher, Fanfaraï, Tony Gatlif, Titi Robin, Ibrahim Maalouf ou le Cirque Romanès, et enseigne les danses orientales et tsiganes, en France et à l’étranger. Quelques années plus tard, elle est demandée pour chanter dans plusieurs groupes de musique tsigane, comme le Finzi Mosaïque Ensemble ou Radio Thrakia Electric, et ce qui n'était pour elle une passion devient une deuxième corde à son arc. Elle se forme auprès d’Emmanuelle Trinquesse, Clotilde Rullaud et Martina Catella, puis poursuit sa carrière de chanteuse avec la Cie Mohein et Kavkazz, aux rythmes des Balkans et du Caucase. Elle se spécialise dans les musiques traditionnelles de la Méditerranée et des Balkans, se produit dans les festivals et chante aussi pour le cinéma, auprès du célèbre compositeur Armand Amar. Titres interprétés au grand studio - Amor de Flores Live RFI - Rayo de Luz, extrait de l’album - Amarse (invité : Rusan Filiztek) Live RFI. Line Up :Nuria Rovira Salat : chant, Fabien Mornet : guitare électrique, Habib Meftah : percussions, Cong Minh Pham : claviers, séquences et Rusan Filiztek (saz, chant). Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. Album Amor de Flores (Tchaï / Luni Lunon / Inouïe Dist. 2024). Follow Nuria Rovira Salat. (Facebook) (Instagram).

C’est au Royaume de Belgique que se pose la #SessionLive avec 2 ovnis, Thomas Jean Henri dit Cabane et la violoniste Catherine Graindorge. Notre 1 invité est l’artiste belge Cabane pour la sortie de l’album Brûlée. Cabane est le projet du musicien et photographe belge Thomas Jean Henri. Après un premier album Grande Est la Maison, Thomas Jean Henri revient aujourd’hui avec la deuxième partie d’une œuvre qu’il construit comme un triptyque. Le deuxième album de Cabane réunit les voix des Anglais Kate Stables (This Is The Kit) et Sam Genders (Tunng). Un casting dont il rêvait depuis longtemps et qui est porté au service de chansons aux frontières de la folk et de la pop orchestrale. Loin des humeurs du monde, Brulée sera un abri pour les amoureux de Nick Drake et de Vashti Bunyan ou encore de toutes celles et ceux touché·es par la délicatesse de Mark Hollis, Sufjan Stevens ou Robert Wyatt. C’est en 2015 que Thomas Jean Henri a posé les fondations de Cabane, un projet transdisciplinaire où il y associe musique, photo et vidéo. Le single Today a été accompagné par une exposition abritant et amplifiant le clip de ce premier extrait de l’album. L’expo a été accueillie par la galerie dédiée à la photographie, L’Enfant Sauvage, à Bruxelles. Thomas y a présenté les 365 clichés qui, montés bout à bout, jour après jour, constituent le clip de Today. « Du dimanche 9 janvier 2022 au lundi 9 janvier 2023, j’ai mené un rituel photographique en me rendant tous les jours à la place Poelaert à Bruxelles, à 3,8 km de chez moi, pour y photographier le ciel avec mon appareil argentique moyen format. Nous vivons tous les mêmes journées… Mais en gardons-nous les mêmes souvenirs ? ». Thomas y a proposé à ses visiteurs de repartir avec une photo, en échange d’un souvenir écrit de leur main. Pour nous faire patienter, Thomas nous a distillé tout au long de l’automne 2023 une série de titres inédits issus des sessions d’enregistrement de son premier album (The unreleased series Pt.1). Titres interprétés au grand studio - Today Live RFI - All we could do, extrait de l’album - Dead Song Live RFI. Line Up : Thomas Jean Henri, guitare, Kate Stables, chant. Son : Mathias Taylor et Benoît Letirant. ► Album Brûlée (Cabane Rd 2024) YouTube - Instagram. Puis nous recevons la violoniste Catherine Graindorge pour la sortie de l’album Songs for the Dead. Après son passionnant EP en duo de 2022 avec Iggy Pop The Dictator, la compositrice et musicienne belge Catherine Graindorge revient avec un album d’ensemble lumineux où elle collabore avec Simon Huw Jones (And Also theTrees). Des chansons instrumentales et vocales sur la vie, l’amour et la mort. Inspiré par les mythologies et les élégies des Grecs aux Beats. Histoires et mythes. Ils se répandent comme des rivières dans nos vies, nos cultures. Certains sont anciens, d’autres plus récents, mais tous contribuent à nous façonner, à nous guider et à nous consoler sur les chemins de la vie, de l’amour et de la mort. Ils ont un pouvoir tranquille, et c’est ce que Catherine Graindorge explore dans son nouvel album Songs for the Dead. Un nouvel album en hommage au poème ‘A Dream Record’ d’Allen Ginsberg « Le poème m’a touché, il m’a fait réfléchir sur l’art, la vie et la réalité, et j’ai donc décidé de construire l’album autour de lui ». Dans cette œuvre, Allen Ginsberg, rêveur, rend visite à Joan, l’épouse décédée de l’écrivain William Burroughs, qui l’a tuée alors qu’elle tentait prétendument d’imiter Guillaume Tell et de tirer un verre sur sa tête. Le couple rit et parle d’amis communs comme si elle était encore en vie. Mais la réalité de la tombe revient et le rêve s’évanouit.« Je ne savais rien de Joan Vollmer, mais le poème dit tout de nos vies. Quelque chose peut arriver et il n’y a pas de retour, sauf dans nos rêves, lorsque les morts viennent nous rendre visite. Comme dans le mythe d’Orphée et d’Eurydice. Dans les yeux d’Orphée, Eurydice semble vivante un instant, mais un seul regard suffit pour...

Pour la 2ème édition du Printemps Tsigane, nous accueillons Ignace Corso (Dj Tagada), fondateur du festival et la chanteuse française Eléonore Fourniau qui sort son 1er album Neynik (miroir en kurde). Puis la #SessionLive reçoit le saxophoniste franco-coréen Oan Kim. Le Festival Printemps Tsigane (14/15/16 juin) célèbre les cultures tsiganes et d'Europe de l'Est à Aubervilliers ! Nos invités Dj Tagada et Eléonore Fourniau. Cette deuxième édition du Printemps Tsigane vous offrira l'occasion de découvrir une émergence de talents qui puisent leurs inspirations dans le répertoire des musiques tsiganes et des Balkans. Ce projet a pour but de bouleverser les idées préconçues et les clichés attribués à ces cultures. Le Point Fort d'Aubervilliers réunit le Collectif Jamalafak, Villes des Musiques du Monde et Balkanbeats Paris pour offrir une grande fête pleine de belles émotions à un large public et présentera les acteurs principaux de ce mouvement musical qui se renouvelle et s'exile sans cesse vers de nouveaux mélanges, la scène parisienne étant actuellement l'une des plus actives dans ce bouleversant métissage. Une belle célébration au cœur des musiques traditionnelles et populaires de Roumanie, Serbie, Macédoine, Grèce et Turquie, empreintes de sonorités urbaines et contemporaines. Eléonore Fourniau à l’affiche du festival tsigane La musique d’Eléonore est le fruit du parcours d'imprégnation d’Eléonore Fourniau, musicienne française, au sein des communautés d’Anatolie et notamment des communautés kurdes, et de son engagement pour la défense de cette culture. Forte d’une médiatisation atteignant plus de 30 millions de personnes dans le monde, le prénom «Eléonore» est devenu celui d’une artiste incontournable de la scène kurde. Sa programmation au Newroz (nouvel an) sur la grande scène de Diyarbakir en 2022 devant un million de personnes marque cette consécration. La musique du peuple kurde est pratiquée sur quatre États (Turquie, Iran, Irak, Syrie). En dépit des persécutions qu’il subit, ce peuple a su préserver sa musique si spécifique, riche de ses variétés régionales. Héritière de trois types de «troubadours» (les conteurs, les ménestrels, les bardes), des sentiments, qu’ils soient épiques, passionnels, festifs, ou religieux. D’une complainte déchirante à un poème spirituel alevi en passant par des airs de danses issus de la tradition des mariages, Eléonore trouve en Anatolie et au Kurdistan sa source d’inspiration. Par l'introduction d'instruments tels que la vielle à roue, la flûte bansuri, ou le rebab afghan, joués par des musiciens poly-instrumentistes venus de Catalogne, Bretagne, Turquie ou Macédoine, Eléonore Fourniau propose une lecture innovante de cette tradition en y apportant des sonorités atypiques. Avec sa voix puissante, accompagnée de musiciens virtuoses, Eléonore Fourniau emmène le public avec sincérité et énergie dans ce monde qui, au fil des années, est devenu le sien. Playlist - Nomadic Spirit La Caravane Passe Feat. Mehdi Nassouli - Nina Eléonore Fourniau, extrait de l’album Neynik - Bucovina Shantel - Laye Laye Eléonore Fourniau, extrait de l’album Neynik. ► Album Eléonore Fourniau Neynik (Neynik/InOuïes/Alvas 2024). Site festival - facebook - Youtube Eléonore Fourniau - facebook Eléonore Fourniau. Puis nous recevons Oan Kim pour lasortie du 2ème album Rebirth of Innocence. Puis nous recevons Oan Kim & The Dirty Jazz dans la #SessionLive. C’est un chanteur et saxophoniste franco-coréen, fils du célèbre peintre coréen Kim Tschang-Yeul, et nommé «révélation de l'année» par Jazz Magazine et Jazz News en 2022. Il fut l’une des révélations de 2022. Élaboré durant le fertile confinement, le premier album d’Oan Kim Dirty Jazz avait tout de l’ovni. Le revoilà, toujours aussi parfaitement inclassable que génialement étrange, avec un second volet qui poursuit les mêmes fantômes et fantasmagories. Son titre, Rebirth of Innocence, a valeur programmatique. Soit une hybridation entre un jazz éminemment...

Embarquement immédiat pour les Caraïbes, avec la #SessionLive de Mario Canonge Trio et l’auteure Caroline Bourgine pour son livre le « Dictionnaire des Caraïbes ». Mario Canonge, Michel Alibo et Arnaud Dolmen jouent 2 titres de l’album éponyme. (Rediffusion) Et c’est le Mario Canonge qui ouvre le bal dans la #SessionLive 3 mois après la sortie du deuxième volume de son Quint’Up avec Michel Zenino, le pianiste hyper productif Mario Canonge revient en trio en compagnie de Michel Alibo et Arnaud Dolmen, dans un nouvel album à la sauce caribéenne enregistré en live pour préserver la magie de l’improvisation et de la complicité qui lie les musiciens. Très inspiré par les deux grands noms antillais du piano, Marius Cultier et Alain Jean-Marie, Mario Canonge est sans aucun doute l’un des plus grands pianistes de jazz français actuels, en témoigne une carrière parsemée de rencontres toutes plus prestigieuses les unes que les autres. À l’aube des années 80, il arrive à Paris pour étudier la musique et joue beaucoup de musique latine, notamment dans le groupe La Manigua avant d’être, avec Nguyen Lê, le cofondateur du groupe de jazz-rock fusion Ultramarine. Il devient vite très demandé et enchaîne les collaborations avec des artistes comme Lavelle, Dee Dee Bridgewater, Nicole Croisille, mais aussi Carter Jefferson ou encore Chico Freeman. Dans cet album sobrement intitulé Mario Canonge Trio, il revisite ses compositions passées et actuelles avec une paire rythmique de feu. À la contrebasse, il retrouve Michel Alibo, vieux compagnon de route avec lequel il était notamment au départ du groupe Sakiyo, éclair fulgurant dans la musique Caribéenne de la fin des années 80. Derrière les fûts, tout simplement le batteur le plus en vue et le plus demandé de la scène française, Arnaud Dolmen, dont le dernier album Adjusting (2022) lui a valu de recevoir le prix « Révélation » aux dernières Victoires du Jazz, ainsi que le titre de « Musicien de l’année » décerné par les rédactions de Jazz Magazine et Jazz News. Capté en public au Comptoir de Fontenay-sous-Bois en janvier 2023 pour le compte du label Aztec Musique, ce disque dévoile la complicité d’un trio où même les silences sont éloquents. Il est aussi le fruit de nombreuses performances qui ont permis aux trois musiciens d’hisser l’œuvre de Canonge à des sommets de musicalité, jusqu’à cet enregistrement, véritable acte de renaissance qui s’inscrit dans la continuité d’une année 2023 déjà bien prolifique pour le pianiste martiniquais. La journaliste, auteure et réalisatrice Caroline Bourgine présente son livre « Dictionnaire des Caraïbes, un itinéraire poétique » chez Caraïbéditions. Un dictionnaire des Caraïbes insulaires et continentales pour un itinéraire amoureux qui, en toute subjectivité, invite à circuler à travers les mots, les lieux, les auteurs, les langues et les territoires. L'auteure se plaît à rencontrer le singulier proche et lointain, tout un creuset de mondes brassés par l'histoire, la géographie, l'archéologie, la cuisine, la littérature, la botanique et les musiques. Autant de balises pour entrer dans ce Tout-monde, intime de la relation aux êtres et aux choses, pour entendre une composition poétique sans ordonnance tissée de définitions fragiles et mouvantes. Caroline est également l’auteure du documentaire MAGMAS76 sur les évènements de la Soufrière. Titres interprétés au Grand studio - Fleur de terre Live RFI en trio - Toto Bissainthe Rasanbleman, choix Caroline - Entre la Pelée et l’Ararat, extrait de l’album Mario Canonge Trio - Ibrahim Ferrer Ay Candela, choix Caroline - Karnaval blues Live RFI en trio voir le clip - Harry Belafonte Mesi bondie, choix Caroline. Line Up : Mario Canonge, piano, Michel Alibo, contrebasse, Arnaud Dolmen, batterie. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Mario Canonge Trio (Aztec Musique 2023). - Bob Marley Stir it Up, album Catch a Fire. ► À lire sur RFI Musique Catch A Fire, de Bob Marley a 50 ans : ce qu’en disent...

Sous le plus beau chapiteau de Paris, se tient le festival d’été du Cabaret Sauvage. Du 11 au 16 juin 2024, le public pourra s’enivrer de reggae, de la soul, de la folk alternative, de la pop créole, bref un éventail d’esthétiques pour lui faire perdre la boussole. À l’occasion du festival d’été du Cabaret Sauvage (11-16 juin 2024), nous recevons Siân Pottok dans la #SessionLive et François Clarou. Siân Pottok est autrice, compositrice, musicienne, interprète et photographe, elle offre une immersion dans le palpitement d'un monde interconnecté, fusion de ses racines indiennes, congolaises, belges et slovaques, depuis sa naissance en Floride. Siân joue du Kamele Ngoni, et sort un nouvel album Deep Waters. Le Cabaret Sauvage a donné une carte blanche à François Clarou, qui assure la programmation de l’édition 2024. Le producteur français est actif dans l’audiovisuel : Les Concerts Volants d’Arte, Platine Africa avec Sandra Nkaké sur TV5 (créé en 2021, terminé), documentaire sur Fatoumata Diawara, en cours de diffusion sur Canal, clips pour Bernard Lavilliers, concerts Asaf Avidan, Beth Hart… Titres joués au Grand studio - Deep, Waters Live RFI Siân Pottok voir le clip - Ki Sa, David Walters voir le clip - Kuwa Mbali, Sana (solo Siân) Live RFI Siân Pottok - Demain, Luiza Instagram - Existe, Uma Voz Rogê voir le clip - Rain Live RFI Siân Pottok - Cold Cold World par Michelle David & The True-tones voir le clip - Amour Quantique, Flèche Love. Line Up : Siân Pottok, chant, ngoni, guitare, Edouard Coquard, batterie, Lucas Degeuser, trompette, machines, Fred, claviers + François Clarou, programmateur du festival. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Deep Waters (Blue Moon Dogs/Modulor 2024). Réalisation : Donatien Cahu. ► Coordonnées Siân Pottok : Youtube - Facebook - Instagram.

Une princesse bantoue, des Hollandais aux semelles de vent, voilà 2 sessions live. Notre 1 invitée est Pamela Badjogo pour la sortie de l’album YIÊH. Pamela Badjogo s’est indéniablement inscrite dans la lignée des grandes voix africaines. Son registre afro-pop, nu-highlife façon bantoue teinté d'une touche jazzy nous plonge dans l’effervescence des nuits agitées d’Afrique centrale, pimenté de textes servant les causes féministes. En 2024, l’artiste gabonaise dévoile son 3ème album Yieh. Dix titres introspectifs toujours profondément ancrés dans ses racines bantoues dans lesquels la langue française prendra davantage de place que dans les projets précédents. Un album doux et féminin qui met en lumière les forces parfois insoupçonnées de la Femme avec un grand F. Pamela Badjogo nous parle de lâcher prise tout en confirmant encore son statut de princesse des sonorités et traditions Bantu. Pour Yieh, elle s’est entourée de Kwame Yeboah, arrangeur des 2 derniers albums à succès du légendaire chanteur de high-life Pat Thomas, d’Aron Ottignon et Elisée Sangarée, mais également d’invités prestigieux dont Pat Thomas et Kelly Khumalo avec lesquels elle a partagé le micro. Après avoir fait ses classes aux côtés des plus grands comme choriste (Salif Keita, Oumou Sangaré, Cheick Tidiane, Matthieu Chedid, Tiken Jah Fakoly ou Danakil), elle prête sa voix dans « Kirikou & Karaba ». C’est en janvier 2016 que la princesse bantoue entame sa carrière solo avec un premier album intitulé Mes couleurs. Un véritable métissage entre sa culture bantoue du Gabon et les influences mandingues du Mali, son pays de cœur. En 2021, elle confirme sa signature musicale avec un deuxième album résolument afropop. Kaba signifie le partage fraternel en Ndzebi. Au-delà de la musique Pamela est très engagée pour la cause de la Femme. Dans ses paroles comme sur scène, elle a à cœur de dénoncer les oppressions que subissent les petites filles et les femmes au quotidien. Elle est porte-parole des Fées-ministres un collectif et présidente du collectif « Moussoya yé kobayé » qu'elle co-fonde avec Amie Yerewolo, une rappeuse engagée. En février 2017, elle prête sa voix pour la lutte contre le cancer aux côtés de Coumba Gawlo, Charlotte Dipanda, Rokia Traoré et Josey : « Pour nos soeurs et pour nos mères ». 2017-2018, elle est porte-parole du collectif les amazones d’Afrique. Depuis 2016, elle est marraine de l’école associative Karama, une association qui scolarise les enfants des rives du fleuve Niger au Mali. Pamela est née en 1982 à Libreville au Gabon où elle a grandi avant de s’installer au Mali en 2003 pour poursuivre ses études de microbiologie. Après l’obtention de son DEA, elle se lance dans la musique où elle débute comme choriste, avant d’entamer une carrière solo. Titres interprétés au grand studio - Tounka Live RFI - Letondo, extrait album voir le clip - Aimer Live RFI. Line Up : Pamela Badjogo - Lead/ Guitare, Elisée Sangaré - Basse/ Guitare et Shan Lotchi Ludmann - Batterie / Voix. Son : Jérémie Besset & Mathias Taylor. ► Album YIÊH (Raphia / Believe / Inouïe 2024). Facebook - Instagram - Tiktok - Deezer. Puis nous recevons l’Amsterdam Klezmer Band pour la sortie de son nouvel album Bomba Pop. Amsterdam Klezmer Band naît en 1996 de la passion de Gijs Levelt (trompette), Job Chajes (saxophone, chant), Henkjan van Minnen (accordéon), et Jasper de Beer (contrebasse, banjo) pour la musique klezmer et la musique des Balkans. En plus de 25 ans, les sept musiciens se sont forgé leur propre son, mélange vibrant de klezmer, de musique balkanique, d’électro, de jazz, de rythmes manouches, orientaux et de hip hop. Une musique pleine d’énergie en constante évolution ouverte à tous les genres, les voyages ou les influences dans lesquels ils puisent avec allégresse. En 18 albums, le groupe aura joué dans les plus grands festivals d’Europe (Lowlands, North Sea Jazz Festival, Sziget…) mais aussi au Concertgebouw d'Amsterdam, au Wiener Konzerthaus, à la...

Lina présente son nouvel album Fado Camões et Patricia Essong, Healing Journey dans la #SessionLive. (Rediffusion) Notre première invitée est la fadista Lina pour la sortie de son nouvel album Fado Camões. Il y a trois ans, la fadista Lina et le producteur et musicien Raül Refree se sont réunis autour du répertoire d’Amália (Rodrigues), surprenant le monde avec un album audacieux, encensé dans tous les milieux. Elle est désormais de retour, encore plus puissante, non seulement par sa voix inimitable, mais aussi par la composition de quelques chansons, en compagnie du producteur et musicien britannique Justin Adams (Robert Plant, Rachid Taha, Tinariwen, Jah Wooble, Souad Massi), autour de la poésie de Camões (poète portugais du XVIè siècle). C'est un nouveau chapitre qui commence à s'écrire, après que Lina a commencé à chanter à l'âge de 10 ans au Círculo Portuense de Ópera et a étudié au Conservatoire, avant de tomber amoureuse des maisons de fado, qu'elle n'a jamais abandonnées, et d'enregistrer les albums Carolina et EnCantado, signés sous le nom de Carolina. Puis vinrent des périodes de croissance musicale et d'élargissement des horizons, et maintenant, il y a Camões à l'horizon et un son renouvelé, où le centre est encore et toujours son expressivité vocale, sensorielle, palpitante, pleine de vie pour nous toucher. Titres interprétés au grand studio - Desamor Live RFI - O Que temo E O Desejo (Feat. Rodrigo Cuevas) extrait de l’album Fado Camoes - Se De Saudada Morrerei Ou Não Live RFI Line Up : Lina, chant, Ianina Khmelik, claviers, Jean-Luc Gonneau, traducteur Son : Mathias Taylor & Jérémie Besset. Réalisation : Hadrien Touraud. ► Album Fado Camões (Galileo / MDC / Pias 2024). Choix musical RFI. Puis, nous recevons Patricia Essong pour le nouvel album Healing Journey. Patricia Essong, originaire du Cameroun et vivant en France depuis 20 ans, s’inspire de grandes artistes telles que Miriam Makeba, Tracy Chapman et Lizz Wright pour créer une musique et son propre univers qui célèbrent son héritage culturel bantou. Nourrie de folk, de jazz et de blues, sa musique éthérée et enracinée mène vers la spiritualité. Parallèlement à une carrière réussie dans le conseil, son amour pour la musique ne la quitte jamais. En 2013, elle décide de sortir de sa zone de confort pour poursuivre sa passion, marquant le début de sa carrière musicale. Elle produit en 2016 son premier album, Soul of Nü Bantu, une exploration musicale entre chants traditionnels et balades folk, révélant la richesse des langues africaines. De Paris à New York, en passant par la Suisse et le Cameroun, Patricia Essong partage son message de réalisation des rêves à travers des concerts empreints de spiritualité africaine. Son parcours prend un tournant en 2019 lorsqu’elle ressent le besoin de s’arrêter, de respirer et d’explorer une nouvelle dimension de sa créativité. Cette pause la conduit sur La Route du Sacré, un projet en trois parties. Le premier volet, Healing Journey, est un voyage musical de guérison, composé pendant le confinement. L’album, en langue duala, reflète son cheminement personnel à travers des épreuves, le deuil, la méditation et la célébration de la vie. Malgré des pertes personnelles importantes, l’album reste intime, minimaliste, et explore des sonorités ethno trip-hop, marquant une évolution audacieuse de son style musical. Titres interprétés au grand studio - Chrysalide Live RFI - Immanence, extrait de l’album - Beauty Painters Live RFI Line Up : Patricia Essong, voix, harmonica, Christophe Laxenaire, clavier, ordi. Son : Mathias Taylor & Benoît Letirant. Réalisation : Hadrien Touraud. ► Album Healing Journey (Nü Bantu Sound 2024). Paroles Chrysalide : Chrysalide est une chanson pour s'accueillir avec tendresse, justesse et patience. J'étais confinée à l’intérieur de mon faisceau chromatique, à questionner mon existence, regarder en face toutes ces mémoires traumatiques, et sans les nier, invoquer ma paix, trouver...

Ivresse, rue, poésie, féminisme, convivialité, des mots jetés en vrac pour présenter Le Cluster Ensemble et Las Lloronas dans la #SessionLive. Nos 1ers invités sont le groupe tourangeau Le Cluster Ensemble pour la sortie de l’album Le Cluster Ensemble. LE CLUSTER ENSEMBLE est une équipe d'une vingtaine d'artistes qui nous régale avec d'étonnantes vidéos de musique live (plus de 100k vues cumulées sur YouTube) et des spectacles en big band à table où se percutent chanson française, baile funk, chaabi, jazz, rap, bossa nova… Fin 2023, le collectif a présenté son premier album (éponyme) sur les plateformes, avec des reprises façon Cluster de morceaux de Gilberto Gil, Henri Salvador, et quelques titres originaux à la croisée des genres qui affirment leur propos unique pour un répertoire étonnamment festif, profond et ludique. L'album est enregistré en conditions du direct (concerts ou tournages) pour transmettre au plus vite et au plus vrai leur incroyable vibe. Manifeste Le rythme d’une musique, un repas que l’on partage, instaure de fait une communauté, qui ne repose sur aucune idéologie ou croyance préalable, mais sur l’appartenance à un même instant présent. Nous croyons à l’ambiance comme étant un milieu, à la fête comme étant un climat, au sens écologique. Milieu translucide et changeant que nous ne percevons pas mais qui n’est pas le vide. Nous tenons à cette idée que l’ambiance est mesurable, comme l’est la température, la pression barométrique ou le taux d’humidité. Le Cluster Ensemble est un collectif pluridisciplinaire de jeunes artistes basés à Tours, réunis par Raphaël Guattari autour d'une volonté simple : célébrer la convivialité. À partir d'un ensemble composé de 13 musiciens d'horizons différents, accompagné d'une directrice artistique, d'un comédien et d'une équipe vidéo, Le Cluster Ensemble propose une musique qui emprunte à des genres variés : chanson française, baile funk, châabi, jazz, rap, bossa nova... Souvent filmée, toujours mise en scène, enregistrée hors studio, la musique se joue live autour d'une table comme on partage un repas, dans la joie d'être ensemble. Le collectif prend forme fin 2021 autour de la réalisation d'une reprise façon Cluster, aussi bien musicale que visuelle, de Me Maten issue du Tiny Desk de C. Tangana, la vidéo est repartagée par Nemir, Kiko Veneno (guitariste de la version originale), et dépasse très vite les 50k sur instagram. le groupe a également sorti sur YouTube le film MIDI-MIDI en mai 2022 sorte de court-métrage musical. Note d’intention de Raphaël Guattari. Longtemps je me suis demandé de quoi dépendait la réussite d’une fête. Parce que dans l’esprit de tout le monde, quand on pense à la fête, on pense aux éléments qui la composent : les ami·e·s, les rencontres, la musique, la nuit, l'ivresse. Et pourtant aucun de ces éléments ne garantit la réussite de la soirée, la contagion de la bonne humeur. Il faut toujours ce truc en plus tu vois, cette contagion, ce principe évident de l’ambiance. Et ça tu le sens en une fraction de seconde, tu le ressens, et sûrement ça se ressent beaucoup plus que ça ne se comprend, c’est compliqué ces choses-là. La fête, c’est tout un programme, il ne faut pas négliger. C’est un barbare celui qui va à la fête juste pour se défouler, c’est toujours ceux-là qui pètent l’ambiance, qui vomissent sur le plancher ou qui s’embrouillent sur le balcon parce qu’ils en font trop, t’as capté. Parce que la fête, tu peux la faire quand ça va ou quand ça ne va pas, tu peux la faire avec une dizaine d’ami·e·s ou des milliers d’inconnu.e.s, tu peux fêter tout ce que tu veux avec qui tu veux, quand tu veux, mais pour ça il faut bien s’appliquer. La Fête, Raphaël Guattari, chanteur du Cluster Ensemble. Titres interprétés au grand studio - Poison Live RFI - Ya Rayah Fea.t Mohamed Lamour, extrait de l’album - Oublie Oublie Live RFI. Line Up : Mateo Roussel : batterie, Soa Ravaloson : basse, Corentin Fumard : guitare, Valentin Vasseur : guitare, Daphné...

Des rives du Rio de la Plata, pour un tango brut de décoffrage aux paysages amazoniens dessinés par Nana Vasconcelos #SessionLive. Viva Nana est un hommage vibrant et spirituel au percussionniste brésilien Nanà Vasconcelos, par les sourciers Fred Soul et Zé Luis Nascimento. Originaire de Recife, le percussionniste Naná Vasconcelos, décédé en 2016, a laissé une empreinte exceptionnelle et pleine de grâce sur le monde de la musique; il a collaboré avec Gilberto Gil, Gal Costa, Don Cherry, Talking Heads, Arto Lindsay, Pierre Barouh, Pina Bausch, Art Blakey, Gato Barbieri, Pat Metheny ou encore Egberto Gismonti. Fred Soul et Zé Luis Nascimento sont les invités de choix de l’orchestre des sons, de la magie du son vivant et vibrant dont Naná Vasconcelos aimait les cheminements, les sentiers secrets, l’éblouissement. Ces deux musiciens inventifs et libres rendent hommage à ce maître incontesté des percussions qui puisait inlassablement dans la nature et dans les éléments, les nutriments de la musique. Sourciers, Fred Soul et Zé Luis Nascimento explorent, comme le fit Nana Vasconcelos au fil des ans, le champ d’improvisation pour faire jaillir ce que les sons mêlés, pour qui prête attention, révèlent de la pulsation de la vie. Éole s’enroule, chante et gémit dans la corde du berimbau ; les mains font gronder le tonnerre en « batucant » les cordes du piano. Des caxixis naissent un bruissement de branchage, le clapotis de l’eau, le cliquetis subtil des graines et des fragments de coquilles répondant à la mélodie forte de syncrétisme et d’inspirations multiples. Créateurs de passerelles musicales et percussives qui vont de l’Afrique au Brésil, du Brésil à l’Occident, Fred Soul et Zé Luis Nascimento puisent dans l’océan sonore de Naná Vasconcelos, une inspiration sans cesse renouvelée, tel ce « vent appelant le vent » dont on ne sait pas d’où il vient ni où il va mais qui porte, en lui, une mémoire ancestrale du chant du Monde qui jamais ne finit. • Zé Luis Nascimento Percussionniste brésilien virtuose, originaire de Salvador de Bahia. Soliste et assistant à la direction musicale, il enchaîne les tournées mondiales avec le ballet folklorique de Bahia, au sein duquel il a été formé. Arrivé en France en 1996, il s'ouvre aux styles des percussions orientales et occidentales et élabore alors un vocabulaire rythmique profondément original mêlant des instruments très variés, qu'il rassemble dans un discours musical d'une grande cohérence. Sur scène ou en studio, il collabore avec des artistes comme : Titi Robin, Mayra Andrade, Ayo, Césaria Evora, Al Di Meola, Sixun, Tania Maria, Lokua Kanza, Oumou Sangaré, Tété, Souad Massi, Vladimir Cosma, Michel Legrand, Jaques Morelenbaum, Georges Moustaki, entre autres. Il dit avant tout « vouloir servir la musique ». Inspiré, élégant et puissant, tel se définit l'univers musical de Zé Luis Nascimento. • Fred Soul Fred Soul a grandi en France au sein d’une famille de peintres et de musiciens. Initié à la musique dès l’âge de 5 ans, il évolue sur scène aux côtés de son père. Partagé entre cultures et instruments. La musique classique européenne pour le piano et les traditions de l’Orient pour les percussions. Son travail de compositeur et d’improvisateur se dirige vers la création d'un chemin entre le passé et le présent, l’Occident et l’Orient. Poly-instrumentiste virtuose et rythmicien hors pair, Fred Soul a le don et le secret de nous faire partager les poésies de son monde intérieur. Ses collaborations sont nombreuses : Sekouba Bambino, Julia Sarr, Nguyên Lê, Alune Wade, l'Orchestre National de Montpellier, Moriba Koïta, Sylvain Barou, Mayra Andrade, Manu Dibango, Boy Gé Mendes, Papa Wemba, Aziz Sahmaoui. Titres interprétés au grand studio - Viva Nana Live RFI clip - Odara Xire, extrait de l’album - Continuum Live RFI. Line Up : Fred Soul, piano, Ze Luis Nascimento, percussions. Son : Benoît Letirant, Jérémie Besset. ► Album Viva Nana (L’Autre Distribution 2024). Site Fred Soul...

Du Baiser Salé au lac Léman, en regardant le Brésil, l’Amérique du Sud ou le Cameroun, jazz à tous les étages ! Live ! Notre 1 invité est le groupe Mr Mâlâ qui présente son 1 album Mr Mâlâ. « My name is Monsieur MÂLÂ I’m not a human, I’m a machine. » Les paroles de Storyteller, qui introduisent le premier album de Monsieur MÂLÂ, font office de présentation : le quintet est une machine dont la conception serait empirique et la production organique, capable de nous raconter des histoires au moyen de musiques instrumentales. Ses rouages ont pour noms Nicholas Vella (piano, Fender Rhodes, claviers), Swaéli Mbappé (basse, guitares), Yoann Danier (batterie), Robin Antunes (violon, mandoline) et Balthazar Naturel (saxophone, cor anglais, clarinettes, flûtes). Ces fortes personnalités, dont les complicités sont anciennes, sont tous des leaders ou des sidemen reconnus dans la sphère du jazz et de ses satellites. Leurs bagages techniques, leurs influences cosmopolites et leurs âmes voyageuses touillent une décoction de funk et de rock, de musiques africaines et caribéennes, tout en ingérant les nouvelles tendances urbaines et électroniques. Ni fusion ni métissage : Monsieur MÂLÂ n’est que l’expression naturelle et assumée de cinq multi-instrumentistes composites. L’histoire s’est écrite entre deux pôles, l’académisme des formations en conservatoire et la liberté des jams en club. Nicholas Vella, Sicilien installé en France depuis une douzaine d’années, entré en 2012 au conservatoire à rayonnement régional de Paris, a accompagné Mayra Andrade, Paco Séry et Ibeyi. Mais sa première scène parisienne fut celle du Baiser Salé, rue des Lombards, déjà avec Swaéli Mbappé, un habitué des lieux puisqu’il y débuta à 15 ans. Enfant de la balle, passé par le saxophone et la batterie avant d’adopter l’instrument de son père, l’illustre bassiste Étienne Mbappé, Swaéli est devenu professionnel avec Blick Bassy avant d’accompagner Mamani Keita, Cheick Tidiane Seck et des artistes de variétés (Tal, Shy’m, Zaz). Titres interprétés au grand studio - Ai De Mim avec EU.CLIDES Live RFI - Al Fayhaa, extrait de l’album Mr Mâlâ - Fly Fly Live RFI. Line Up : Robin Antunes : violon, mandoline ; Balthazar Naturel : saxophone, cor anglais, clarinette, flûte ; Nicholas Vella : piano, Fender Rhodes, claviers ; Swaéli Mbappé : basse, guitare ; Yoann Danier : batterie et EU.CLIDES : chant sur Ai De Mim. Son : Mathias Taylor & Jérémy Besset. ► Album Mr Mâlâ (Art District Music 2024) Chaîne Youtube. Puis nous recevons le guitariste suisse Louis Matute pour la sortie de son 4 album Small Variations From The Previous Day. Euphorisante et douce-amère, la musique de Louis Matute ne ressemble qu’à lui. Partagé entre l’Europe qui l’a vu naître et l’Amérique latine qu’il a rêvé, cet enfant de la génération Z, trop entier pour la fiction du réel et trop sincère pour la fiction de soi, rouvre en grand les portes de son univers. Un son, un talent fou de raconteur, un folklore qui se dessine : dans ce superbe quatrième album, sa musique n’a jamais paru si proche et foisonnante. « Je n’ai jamais écrit de mélodie sans la chanter en même temps » confie-t-il. Teintées de pop et de saudade, celles-ci vous iront droit au cœur, laissant flotter dans l’air un brin de magie. Tourné vers le Brésil et l'Amérique Centrale, nourri de jazz et d’une pop élégante, Small Variations from the Previous Day est un disque-monde, animé par un « Large Ensemble » toujours plus étoffé, catalyseur d'émotions. Titres interprétés au grand studio - Narcissus Live RFI - Alma No Mar Feat Gabi Hartmann, extrait de l’album Small Variations From The Previous Day - 2000 Years Live RFI. Line Up : Léon Phal, saxophone ténor ;Zacharie Ksyk, trompette ; Andrew Audiger, piano, Rhodes ; Nathan Vandenbulcke, batterie ; Virgile Rosselet, contrebasse et Louis Matute, guitare électrique. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant & Réalisation : Donatien Cahu. ► Album Small Variations From The Previous Day...

De la soul au zangoma, d’Amy Winehouse à Eliasse, l’émission Musiques du Monde est passée maître.sse dans l’art du grand écart ! Notre 1 invité est notre chroniqueur Sophian Fanen.Journaliste et cofondateur du site Les Jours, Sophian Fanen (Sophian Fanen (lesjours.fr) est spécialiste de la musique : il écrit aussi bien sur ses mutations artistiques que sur sa révolution numérique. Il publie « Amy pour la vie » un ouvrage sur Amy Winehouse (Amy Winehouse | Official Site) qui regroupe les différents articles publiés sur le site Les Jours, au sujet de l’étoile filante britannique. À travers ce portrait, Sophian Fanen revient sur la vie tragique de la comète Amy Winehouse. De son enfance musicale à sa mort alcoolisée, le 23 juillet 2011, il explore les multiples facettes de cette chanteuse-née, devenue à 22 ans seulement une star mondiale, fragile et excessive, traquée par tous les tabloïds britanniques. Fruit d’une longue enquête, ce récit dévoile les coulisses d’un amour toxique, d’un album magistral, Back to Black, et les intérêts contradictoires de l’industrie musicale durant la descente aux enfers de cette artiste culte. Titres joués : Amy Winehouse, F*** Me Pumps, tiré de l'album Frank (Island Records, 2003) voir le clip (Amy Winehouse - Fuck Me Pumps (youtube.com) Amy Winehouse, Tears Dry on their Own, tiré de l'album Back to Black (Island Records, 2006) Mountains high enough (Marvin Gaye) The Shangri-Las, Remember (Walkin' in the Sand), (single, Red Bird Records, 1964) Amy Winehouse, Rehab, tiré de l'album Back to Black (Island Records, 2006) Amy Winehouse, Like Smoke (feat. Nas), tiré de la compilation « Lioness: Hidden Treasures » (Island Records, 2011). Chaîne Youtube (Amy Winehouse - Back To Black (youtube.com). Puis nous recevons Eliasse dans la #SessionLive pour la sortie de Zangoma Ne dites plus blues comorien ni rock de l’océan Indien : Eliasse incarne désormais le ZANGOMA ! Ce terme, né de l'esprit visionnaire de l’artiste comorien de l’île de Mayotte Baco, illustre la fusion entre les rythmes de la sono mondiale avec les sonorités propres aux Comores, de l’océan Indien et de leurs racines venues du continent africain. Eliasse, portant ce flambeau, propulse le concept vers de nouveaux horizons avec son rock Zangoma, une innovation musicale qui fait briller les Comores ! Armé de sa guitare, de sa voix, et de son talent de percussionniste, il ravive et entrelace les traditions de son archipel avec des influences électriques et futuristes, façonnant un genre où le folk, le rock, et le blues se marient harmonieusement aux mélodies, aux rythmes et chants ancestraux de son archipel. Du twarab au mgodro, du maloya à l’afrobeat, le rock Zangoma dévoile son visage pluriel. Sa base est le tambour (ngoma) et le rock percussif d’Eliasse revendique cette bannière commune et hybride ! En power trio, accompagné de Jérémy Ortal à la basse et de Frédéric Girard à la batterie, Eliasse livre un son chaloupé, puissant, façonné pour les dancefloors, et nous convie à un voyage transculturel inédit. Son troisième album Zangoma est une célébration de cette identité musicale unique. Eliasse propose une œuvre complexe et riche, un carrefour où convergent les sons, les histoires et les aspirations d'un artiste. Eliasse nous invite à une exploration musicale où chaque titre révèle une facette de son engagement artistique et émotionnel, faisant de Zangoma un hymne à la vie, à la culture comorienne et à la résilience des peuples (Bio officielle). Titres interprétés au grand studio : - Nduzangu Live RFI avec RFI Vidéos - Zangoma Feat. Cheikh MC, Zily, MToro Chamou, Mounawar, Baco, extrait de l’album - Locaterre Live RFI avec RFI Vidéos. Line Up : Eliasse, guitare, voix; Jérémy Ortal, basse, Fred Girard, batterie. Son : Mathias Taylor, Benoît Letirant. ► Album Zangoma (Soulbeats Music 2024) RFI Talent.